Von den Chroniken von Olivier Assayas bis zu seiner Rückkehr ins nationalsozialistische Deutschland

Am dritten Tag geht es bei den Internationalen Filmfestspielen Berlin wieder normal zu: Im Schnitt laufen zwei Filme im Wettbewerb um den Goldenen Bären, auch andere Kategorien zeigen ihre Filme. Wenn das portugiesische Kino sehr daran interessiert ist, lohnt es sich, bis zum Ende der Berlinale auf die Weltpremiere von „Mao no Fogo“ am Donnerstag, dem 22. in der Kategorie Begegnungen, zu warten. Regisseurin Margarita Gill trifft am Vortag ein.

Der Film, den wir in dieser Sektion sehen können, der senegalesische „Temba“, verliert seine erzählerische Qualität, der Regisseur Mamto Diya beschließt, die Geschichte zu komplizieren, manchmal wird sie unverständlich. Manchmal ist einfacher besser, und nichts in diesem Film deutet auf die Notwendigkeit hin, einen anderen Weg einzuschlagen.

Die Hauptfigur ist ein städtischer Angestellter aus einer Kleinstadt im Norden des Landes, der nach dreißig Dienstjahren mit Reformen und vergangenen Traumata konfrontiert ist. Eine universelle Geschichte, in der Mamadou Dia die senegalesische „Version“ präsentiert, allerdings mit einer Erzähloption, die das Publikum leider nicht fesselt und es so erneut von einem afrikanischen Kino entfremdet, das darauf besteht, sich nicht durchzusetzen.

Beim Wettbewerb präsentierte uns Olivier Assayas „Hors du Temps“, einen autobiografischen Bericht über seine Gefangenschaft im Haus der Familie, in Begleitung seines Bruders und seiner Gefährten. Für diejenigen, die das Universum des Filmemachers lieben, große Kameramänner: Dies ist ein Porträt, das manchmal zärtlich, manchmal unterhaltsam, sehr ehrlich und extravagant ist. Da Annan stärker mit dem Musikuniversum verbunden ist, erleben wir viele Gespräche über Kino, Musik und Literatur.

An einer Stelle im Film spricht Vincent McCain mit seinem neuen Partner auf dem Weg zu einem Tennisspiel über seine Pläne, „Liebesbriefe einer portugiesischen Nonne“ zu adaptieren und Kristen Stewart in der Hauptrolle zu spielen, eine unerwartete Entscheidung, Assayas zu spielen. . Eine „Plage“ oder ein nützlicher Wunsch, das wird nur die Zukunft zeigen. Bleiben wir vorerst bei den Neurosen von Macaigne/Assayas über die Vorteile der Inhaftierung, während wir über Covid und die Zukunft des Kinos nachdenken.

Andreas Dresen, der vor zwei Jahren mit „Rabbi Gurnas vs. George W. Bush“ Berlin gewann und glücklicherweise in Portugal ins Kino kam, kehrt nicht nur zu einem realen Fall zurück, sondern führt mit „An Hilde, mit Liebe.“ Hilde im Titel ist eine junge deutsche Frau, die einer Gruppe von Dissidenten und Spionen angehört, die ihrem Mann hilft, Nachrichten in die Sowjetunion zu schicken, und während ihrer Schwangerschaft verhaftet wird. Hilde gebar im Gefängnis, half anderen Frauen im Krankenhaus, blieb aber von der Todesstrafe wegen Hochverrats nicht verschont.

Der Film basiert auf dem Buch seines mittlerweile 80-jährigen Sohnes. Was wir nicht wiederholen wollen, aber leider seine Berechtigung mit dem besorgniserregenden Aufstieg der extremen Rechten in verschiedenen Teilen Europas hat, die den Nationalsozialismus teilweise nicht einmal leugnet. Allein in Berlin haben diese extremistischen Parteien bei den letzten Kommunalwahlen viele Bezirke gewonnen. Gerade jüngere Menschen müssen mit der bösen Seite des Nationalsozialismus konfrontiert werden, und ein Film wie „To Hilde, with Love“ ist mit seiner erzählerischen Stärke in diesem Sinne ein nützliches Instrument.

„Another End“ von Piero Messina zeigt einmal mehr die Stärke des italienischen Kinos. Fast schon in naher Zukunft wird es uns das Wesen, das dem Film seinen Namen gibt, ermöglichen, die Erinnerungen der Toten zu bewahren und sie ihren Lieben bewusst zu machen. Dies versucht der Protagonist des Films, nachdem er seine Frau verliert und sie im Körper einer anderen Frau findet, die er in einer Erotikbar kennengelernt hat. Mit der Norwegerin Renate Reinsway in einer Doppelrolle neben Gael García Bernal und Berenice Bejo verliert sich der Film ein wenig in der Mitte, funktioniert nicht immer, ist aber originell im Konzept und manchmal verwirrend. Ansätze zu Verlust und Trauer.

In den verbleibenden Abschnitten des Festivals wird die Rückkehr von Nicolas Philibert im Mittelpunkt stehen, der letztes Jahr für seinen Dokumentarfilm „Sur L'Adamant“ über ein Hilfsmittel für psychisch Kranke den Goldenen Bären gewann. Außer Konkurrenz zeigt er nun in „Averroès & Rosa Parks“ das Krankenhaus selbst. Es führt uns dazu, Ärzte und Patienten zu entdecken, die frei vor ihrer Kamera stehen, mit der gleichen Aufmerksamkeit für die Betreuung psychischer Erkrankungen, und zu antizipieren, was das Ergebnis eines bereits gefilmten Triptychons sein wird, in dessen Mittelpunkt die Heimkehr der Patienten steht. Besuche von Ärzten und Pflegekräften. Eine Vision von uns selbst, die uns vom Anfang bis zum Ende umarmt und uns hinterfragt.